Szyszlo et son premier tableau d'art abstrait

En 1947, Fernando de Szyszlo inaugure sa première exposition individuelle à l’Institut Culturel Nord-Américain (ICPNA). L’année suivante, il expose avec un autre artiste de sa génération, Jorge Eduardo Eielson, dans la Galerie de Lima. Alfonso Castrillón soutient que Szyszlo a déjà expérimenté l’abstraction, avant son départ pour Paris[1]. Pour appuyer sa thèse, l’auteur se réfère à un bas relief en os peint que Szyszlo aurait réalisé en 1945 (ill.8). L’oeuvre est aujourd’hui en possession de l’artiste. Les couleurs, dans des tons éteints de l’ocre au gris, sont caractéristiques de l’oeuvre de Picasso dans les années 1912-1914, et les formes rappellent la connaissance des futuristes italiens via Pettoruti. Cependant, rien ne prouve que l’artiste a conçu cette oeuvre à cette date. Emilio Tarazona (1975), curateur péruvien, pense que « le relief est très abstrait pour être de 1947, il doit être de l’exposition de 1951 ou d’un peu avant. Mais, [il] ne [croit] pas qu’il soit antérieur à 1949 (c'est-à-dire son voyage en Europe et sa définitive conversion à l’Abstrait). […] Ce sont peut-être des détails, mais ils ont leur importance dans ces courtes mais définitives années dans lesquels se définit la consolidation de l’abstraction »[2].

Szyszlo déclare : « avant de partir [en Europe] j’avais déjà fait quelques choses [des oeuvres abstraites], mais ces choses n’ont pas survécu aux voyages, d’ailleurs, dans l’exposition que j’ai faite dans la Galería de Lima en 1949 avant d’aller à Paris, il y avait des choses abstraites ». En effet, Dore Ashton a reproduit dans son ouvrage[3] une oeuvre de Szyszlo, manifestement abstraite. L’auteur la date de 1949 (ill.9). Il est fort probable que l’oeuvre date de 1949, car elle présente des similitudes avec d’autres oeuvres dont on sait qu’il les a réalisées en 1947 et 1949[4]. On retrouve la même palette qui est caractéristique de cette période de l’artiste. Or, Szyszlo voyage en Europe dans le courant de l’année 1949. Cette oeuvre a-t-elle été exposée à Lima avant son départ pour Paris ou a-t-elle été réalisée après son installation dans la capitale ?

À la question de savoir s’il a déjà expérimenté l’abstraction avant son départ pour Paris, l’artiste répond « oui » et ajoute : « plus que de l’art abstrait, ce que je faisais à cette époque, c’était du cubisme, de la période du cubisme analytique de 1911, avec des allusions figuratives »[5] (ill.10, 11). L’artiste se réfère à cette phase du cubisme de la déconstruction du motif, très proche de l’abstraction. En effet, le tableau Sans titre de 1947 est presque non-figuratif. On reconnaît à peine les objets représentés, et le titre ne fait aucune allusion à la réalité, alors que dans la Nature morte de 1946, on identifie une bouteille, deux fruits, un couteau et un plat posés sur une table. Lorsque la toile de 1947 est à côté de la nature morte de 1946, il est plus aisé de distinguer ou d’imaginer la représentation d’une bouteille, de fruits, d’un plat, etc. Sinon, on observe des formes plus ou moins géométriques de différentes couleurs. Dans les deux tableaux, les couleurs utilisées s’éloignent de la palette verte, brune et grise du cubisme analytique. La nature morte utilise une dominante de bleu nuit ; l’ensemble de la composition, très sombre, est rehaussé par la tonique rose vif très lumineuse. Toutefois, l’idée d’une représentation de l’objet sous différents angles, qui reproduit plusieurs facettes du même objet, propre à la phase cubiste synthétique, n’est manifestement pas respectée par l’artiste. Par conséquent, nous sommes contraints de penser que Szyszlo a proposé ici une interprétation ou une relecture du langage cubiste.

N.B : veuillez excuser la mauvaise qualité des images. C’était ça ou rien !

[1] CASTRILLÓN V., Alfonso, De Abstracciones, informalismos y otras historias…, catalogue d’exposition, Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Lima, 2002, p. 38.

[2] Correspondance par e-mail le 20 janvier 2005.

[3] ASHTON, Dore, Fernando de Szyszlo, édition Polígrafa, Barcelona, 2003, p. 209.

[4] Les tableaux en question sont signés et datés par l’artiste.

[5] Entretien avec Fernando de Szyszlo, le 4 février 2005.

Pintar hoy, no es re-pintar.

30 Pintores Contemporáneos… es el título de la muestra que está ahora en el Centro Cultural de la Universidad Católica.

Pintores. Porque pintores ? Porque pintura ?
Porque es necesario re-pensar la pintura hoy. Que significa pintar hoy, como entendemos la pintura a partir o con los nuevos aportes, las nuevas técnicas, que cambian la percepción de uno, modifican la noción de espacio, de tiempo. Permiten una nueva mirada al medio tradicional.
El Tiempo de la Pintura…

La abstracción había dejado la Pintura sin tema, sin referencia, vacíada de ella misma y de toda funcionalidad. Las instalaciones… la invasión del concepto ready-made heredado de Marcel Duchamp alejan la figura humana del arte para reemplazarla por artefactos recogidos en el la realidad cotidiana.
Estas últimas décadas, hemos podido observar un retorno de la Pintura a la figuración y a la imagen. Los movimientos artisticos de los anos 1960-70 – la Nueva Figuracion y el Pop Art – transpusieron un compromiso político o social a una denunciación que usaba del cuadro como una herramienta de despierto de las conciencias. Y los artistas de la generación 1970-1980, los de la Figuración Narrativa o de Mitologías Personales, rodeada por el poder la fotografía, desarollaron una forma nueva de representación que se acaparaba la imagen : la de la televisión como la de los museos, a través de la Citación de Obra Maestra o de contenidos propios del multimedia.

Contemporáneos. Que planteamiento contemporáneo tienen esos pintores peruanos? Porque explorar hoy en día el abstracionismo lírico o gestual ? Que nos quieren decir ? Que el dicho « estilo », « la corriente », la pintura no han muerto ? ?
Si, de hecho. Pero la otra pregunta tiene que ser como está viviendo ?
Eso no nos lo dicen. Las pinturas son calladas.
El título se aplicaría mejor al la exposición que hay ahora en la galería de la municipalidad de San Isidro. Dicho de paso, esta muestra no tiende a ser una muestra de pintura, no se presenta asi : es la presentación de una selección de producciones de tres escuelas de arte en Lima. De facto, es casi exclusivamente pintura.

Más allá de la aleación pigmento-tela.
Porque considerar la pintura todavia y aún como capas de pigmentos diluidos cubriendo una superficie plana ?
Ya no se tratá de considerar la pintura de manera nostálgica ocupándose de sus aspectos los más tradicionales para oponerse a las formas nuevas de creación, se trataría, al contrario, de seguir el objetivo de poner a prueba toda la actualidad artística de la pintura.
La pintura no es encerrada en su secular aleación de pigmentos y de tela remachada al cimacio, habría que considerar un modo de hacer y de ver artístico.
En la muestra, el interior es el lugar exclusivo de la pintura, y el ojo es el único orgáno por lo cual se aprecia.

Pintar hoy no es re-pintar.

Cuando consideraremos que la pintura de Szyszlo no tiene un planteamiento corespondiente a al planteamiento artístico contemporáneo. De hecho, Szyszlo es un pintor clave, su aporte fue sumamente importante en los anos 1950-1960. Es El Pintor de la Modernidad Peruana.
Que trata de decirnos ahora ? El mensaje habrá cambiado, habrá sido reformulado, mientras la forma no ?
Encontré dificultades en entender el cuadro de Alaysa. Que dirá : el Indigenismo no ha muerto ? Porque no ? Es interesante re-visitar el Indigenismo, y de hecho que el Indigenismo fue un paradigma de todo el arte moderno peruano, ha sembrado bastante semillas que no dejan de brotar.

Planteada de este manera la muestra necesita explicaciones, comentarios, aunque sean breves, sobre la aproximación de cada artista a la Pintura, su manera de concebirla. Hoy en día, una muestra asi es vital ; pero en este caso, el panórama pictórico propuesto necesita aclarecimientos.
No hay vínculo formal entre los trabajos presentados, los artistas no comparten una estética que releva de una escuela, una corriente. Cada uno trabaja con sus propias reglas, estas que se impusieron ellos mismos. Pero porque sentir la obligación de retomar modelos anteriores para definirse ? Hay que digerir. Las obras se desarollan en todas las direcciones, pero no se destaca un vinculo que les une en una atitud común como que quiera renovar el interior de los medios de representación y no las técnicas de la pintura.
Esta muestra nos podria llevar a pensar en serio la muerte de la pintura.


Acá quisiera citar a un artista francés contemporáneo, Michel De Caso :

« Rutpura y continuidad se pueden conciliar.
La pintura contemporánea es, muchas veces, una apología del pensamiento racional. El público no puede aprovechar su evolución sino con un estudio razonado. Para apreciar el arte contemporáneo, el razonamiento mental es necesario y el manejo de los datos teóricos es indipensable. Es en este sentido que la aproximación discursiva se substituó a la aproximación intuitiva. El intelecto juega ahora el papél fundamental y una obra contemporánea ortodoxa debe antes de todo ser entendida antes ser eventualmente sentida. »

« L’irrationnel en peinture », in Rectoversion, l'issue, p.333-336, edición ADAP, Paris, 2001.

La página web de Michel De Caso : (http://www.rectoversion.com/recto_theori_somm.htm).